알렉상드르 뒤마 피스 '동백꽃 여인'

 

 

 

1막 1848년 프랑스 파리. 마르그리트의 집에서 늦은 파티가 열리고 

옆집 친구 집에 놀러온 아르망도 마르그리트의 초대로 참석하는데 

둘의 첫 만남이 펼쳐진다. 전부터 말을 못했으나 아르망이 사모해왔던 것이다. 

화려한 사교계의 배경 속에서 '동백꽃 여인'이라 불리는 마르그리트가 소개되고 

그녀가 처한 사회적 신분 제약이 암시된다.
2막은 사랑의 발전을 보여주는 단계로, 배경이 파리에서 근교 전원으로 이동하면서 

두 사람의 진정한 애정과 소박한 행복이 펼쳐지지만 아르망과 마르그리트는 경제적 

불안과 사회적 시선이 끊임없이 그림자처럼 따라붙는데, 아르망은 엄격한 부친의 

시선과 제약, 마르그리트는 후원자가 없이 이 생활을 유지할 수 없기에.
3막에서는 갈등이 본격화된다. 아르망의 아버지 조르주 뒤발이 마르그리트를 찾아와 

아들의 장래를 위해 이별을 요구한다. 마르그리트는 자신의 감정과 아르망의 미래

사이에서 내면적 갈등을 겪으며, 고통스러운 결단을 내려야 하는 기로에 놓인다.

이 순간은 작품의 도덕적 핵심을 형성하며, 비극의 방향이 확정되는 분기점이 된다.
4막에서는 극의 클라이맥스가 펼쳐진다. 마르그리트는 아르망을 떠나 후원자에게로 

돌아간 것처럼 가장하고, 그런 것을 모르는 아르망은 배신감과 오해로 인해 

그녀에게 공개적인 모욕을 가한다. 감정 폭발이 극에 달하며, 

관객의 정서는 이 장면에서 절정에 이른다.
5막은 낭만주의 비극의 결말이다. 병든 마르그리트는 죽음을 앞두고 아르망과 재회하며, 

아르망은 자신의 불찰을 사과하는데 ...그녀의 사랑과 희생은 숭고한 아름다움으로

승화된다. 죽음을 통해 완성되는 사랑은 현실에서는 실현될 수 없는 이상을 상징하며, 

장엄하고도 애달픔으로 막을 내린다.

<동백꽃 여인>은 알렉상드르 뒤마 피스가 1848년 소설로 먼저 발표한 후 그 인기에 힘입어 이듬해인 1849년 무대를 위해 각색한 작품이다. 동명의 소설은 그동안 아버지 알렉상드르 뒤마 페르(삼총사의 작가이다)의 그늘에 있던 그를 일약 문단의 총아로 만들어 주었다. 따라서 희곡의 전신인 소설에 대한 언급이 선행되어야 할 것이다. 이 소설은 작가 개인의 자전적 이야기를 바탕으로 했다는 점에서, 그리고 사교계에서도 유명한 화류계 출신 여인을 주인공으로 하여 가슴 절절한 사랑 얘기를 그려내고 있다는 점에서 발표되자마자 독자들의 관심과 흥미를 끌었다. 작가 개인의 자전적 이야기라 함은 쿠르티잔이라 일컬어지는 고급 창부 마리 뒤플레시와의 특별한 관계를 일컫는다. 마리 뒤플레시는 당대 유명인사들과 숱한 염문을 뿌리며 파리 사교계를 주름잡던 예외적인 인물이었다. 뒤마 피스는 20살 되던 해, 극장에서 동갑내기인 마리 뒤플레시를 처음 만나 연인으로 1년 남짓 행복한 시간을 보냈다. 그러나 그녀와의 만남을 지속하기 위해서는 다른 남성들과의 관계를 묵인해야 했고, 감당하기 어려운 경제적 부담까지 짊어져야 했다. 결국 질투와 현실의 무게를 이기지 못한 그는 1845년 편지 한 장만 남긴 채 그녀를 떠나 홀연히 유럽과 북아프리카로 여행길에 올랐다. 1846년 뒤마 피스는 스페인과 알제리 등지로 여행하고 프랑스로 돌아오던 중 마르세유에서 마리 뒤플레시의 사망소식을 듣게 된다. 그녀의 장례식조차 참석하지 못했다는 자책감과 회한 그리고 젊은 나이에 폐결핵으로 세상을 떠난 그녀에 대한 연민은 그녀를 추모하고 그녀와의 만남의 추억을 영속화하기 위한 시도로 승화된다. 뒤마 피스는 한달만에 일필휘지로 집필을 마치고 소설을 출판했다. 소설은 실존인물을 둘러싼 가십에 목말라하고 비련의 여주인공의 최루성이야기에 환호하는 독자 취향을 만족시키며 즉각적인 성공을 거두었다. 그리고 뒤마 피스는 자신 역시 무대를 통해 더 많은 대중에게 작품을 선보이고자 직접 대본 집필에 나서 단 8일 만에 속전속결로 이루어졌지만 또 다른 벽, '검열'이 그 앞을 가로 막았다. 마침내 1852년 2월 2일 보드빌 극장에서 초연의 빛을 보게 된다. 초연은 그야말로 파리 전역을 뒤흔들었다. 객석은 연일 만원사례였고, 공연은 여름까지 이어지며 막대한 수입을 올렸다. <동백꽃 여인>의 열기는 식을 줄 몰랐다. 1856년까지 4년간 300회 이상 공연되었고, 20세기까지도 마르그리트 역은 최고의 여배우들이 탐내는 상징적 역할로 남았다.   

 

이 작품에서 알렉상드르 뒤마 피스가 심도 있게 탐색한 주제는 크게 다섯 가지로 꼽아볼 수 있다. 이들 주제는 단순한 극적 소재를 넘어 19세기 프랑스사회의 도덕, 제도, 감정, 욕망의 복잡한 결을 드러낸다. 
첫째는 사회적으로 낙인찍힌 매춘부 여성의 순수한 사랑과 자발적 희생이다. 아르망 뒤발은 마르그리트 고티에의 과거와 신분을 초월해 그녀를 깊이 사랑하지만 그들의 사랑은 사회적 장벽 앞에서 번번이 좌절된다. 마르그리트는 그를 진심으로 사랑하지만 자신의 사회적 위치와 경제적 조건은 진정한 사랑을 지속하기에 너무나 가혹하다. 결정적 장면은 아르망의 아버지 조르주 뒤발이 등장해 '가문의 명예'를 이유로 그녀에게 이별을 요구하는 순간이다. 마르그리트는 사랑을 위해 떠나기로 결심하고, 그 선택은 그녀를 고귀하게 만들지만 동시에 그녀를 비극으로 몰아넣는다. 작품은 사랑이 완벽할수록 그것이 현실과 충돌할 때 더 큰 희생이 요구된다는 아이러니를 날카롭게 포착하고 있다. 그리하여 이 작품은 사랑의 낭만성과 동시에 그 비극성을 첨예하게 그려낸다. 결국 마르그리트의 희생은 그녀의 사랑을 순수하게 만들지만 동시에 그 사랑을 파괴하는 모순적 요소가 된다. 
둘째 이 작품은 계급과 도덕적 위선 문제를 날카롭게 비판한다. 19세기 프랑스 사회는 계급과 도덕적 규범이 엄격하게 나뉘어 있었으며, 특히 여성의 역할과 위치에 대한 시선이 매우 제한적이었다. 마르그리트는 고급 창부로 부유한 남성들에게 후원을 받으며 사교계에서 존재감을 드러내지만, 그 존재는 언제나 경계밖에 있다. 그녀는 환영받는 동시에 비난받는 이중적 위치에 놓여있다. 이러한 사회적 위선은 아르망의 아버지 조르주 뒤발의 태도에서 뚜렷이 나타난다. 그는 아들과 그녀의 사랑을 도덕적으로 용납할 수 없다고 말하지만 정작 그녀 같은 여성을 소비하는 행위는 사회적으로 아무런 제재 없이 용인된다. 부르주아 남성들은 그녀의 미모를 찬탄하며 그녀의 연회를 즐기지만, 그녀가 사랑을 말하는 순간에는 그 권리를 박탈한다. <동백꽃 여인>은 이 같은 위선을 낱낱이 드러내며, 사랑조차 계급의 허락을 받아야 했던 시대의 민낯을 고발한다. 
셋째는 여성의 사회적 위치와 이분법적 규범에 관한 문제다. 이 작품은 여성의 삶이 어떻게 사회시선에 의해 구성되고 제한되는지를 예리하게 그려낸다. 마르그리 트는 사회적 위치가 확고한 남성들에 의해 끊임없이 규정되고 통제된다. 그녀는 자신의 인생을 스스로 결정하는 듯 보이지만 사실상 사회적 구조와 남성들의 결정에 따라 움직일 수밖에 없는 존재다. 이 작품에서 마르그리트와 대비되는 인물은 아르망의 여동생이다. 그녀는 '순결한 여성'으로 묘사되며, 좋은 가정 출신의 남성과 결혼하는 것이 그녀의 미래로 설정된다. 반면 마르그리트는 '타락한 여성'으로 낙인찍혀 있으며, 그녀의 순수한 사랑은 그 진정성을 인정받지 못한다. 이처럼 작품은 사회가 여성을 '순결한 여성'과 '타락한 여성'이라는 이분법으로 구분하고, 이에 따라 그들의 운명을 결정하는 방식을 보여준다. 마르그리트가 아르망과의 사랑을 포기하는 것은 단순한 개인적 선택이 아니라 사회구조가 강요한 숙명이었다.

넷째는 '돈의 문제와 인간관계의 조건화'다. <동백꽃 여인>에서 '돈'은 단순한 배경이 아닌 사랑과 도덕, 자율성과 억압 사이의 모든 갈등을 촉진시키는 핵심 동인으로 작용한다. 돈은 마르그리트가 살아가는 방식이자 그녀를 매춘부로 규정짓는 사회적 장치이며 동시에 그녀의 진정한 사랑을 불가능하게 만드는 구조적 장애물이다. 마르그리트는 경제적 생존을 위해 후원자들과의 관계를 유지해야 했고, 이는 그녀의 감정을 계산된 거래의 영역으로 오인하게 만들었다. 아르망이 그녀에게 돈을 던지며 모욕하는 장면은 사랑이 더이상 순수한 감정 문제가 아니라 금전으로 환산되는 냉혹한 현실임을 상징적으로 드러낸다. 또한 그녀가 아르망 곁을 떠나는 이유 중 하나는 단지 도덕적 강요 때문이 아니라 사랑을 유지하기 위한 최소한의 경제적 기반조차 그녀에게 허락되지 않았기 때문이다. 작품은 돈이 인간의 진실한 감정까지도 통제하고 조건화하는 사회의 잔혹함을 고발하며 물질과 감정이 교차하는 비극적 지점을 조명한다. 사랑이 가장 고귀할수록, 그것이 돈의 논리 속에서 왜곡될 때 발생하는 파열은 더욱 절망적으로 다가온다. 
다섯 번째는 운명과 비극의 필연성이다. 이 작품의 구조는 마르그리트가 어떤 선택을 하든 결국 비극적인 결말을 맞이할 수밖에 없도록 설정되어 있다. 그녀가 아 르망과의 사랑을 택해도 사회는 그녀를 허락하지 않고, 이별을 선택해도 결국 병으로 인해 비극적 최후를 맞이 하게 된다. 마르그리트의 죽음은 단순한 개인적 비극이 아니라 사랑과 사회적 현실이 조화를 이룰 수 없는 구조여서 필연적으로 발생하는 비극이다. 그녀와 아르망의 사랑은 너무도 순수하지만 그 순수함은 현실 앞에서 무력해진다. <동백꽃 여인>은 이러한 사중의 불가능성을 통해, 낭만주의적 비극의 가장 순경한 형식을 완성한다.

 

 

오늘날 <동백꽃 여인>이 불멸이야기로 여전히 현대에 조우하고 있는 것은 오페라에 힘 입은 바 크다. 이탈리아 오페라의 거장 주세페 베르디는 1852년 파리에서 이 연극을 관람한 뒤 깊은 감정의 동요를 느꼈고, 작품에 매료된 그는 이를 오페라로 다시 태어나게 한다. 그렇게 해서 탄생한 작품이 바로 <라 트라비아타 (La Traviata)>, 즉 '길을 잃은 여자'라는 뜻의 비올레타 발레리를 주인공으로 한 음악극이다. 1853년 베네치아의 라 페니체 극장에서 처음 울려 퍼진 이 오페라는 문학이 품고 있던 비극의 숨결에 음악의 날개를 달아 더 멀리, 더 깊은 곳으로 관객의 마음을 이끌었다. <동백꽃 여인>과 <라 트라비아타>는 같은 뿌리에서 태어났지만 각기 다른 예술 언어를 통해 서로 다른 꽃을 피워낸다. 희곡은 산문의 언어로 세계를 설명하고, 대화와 침묵을 통해 인물의 갈등을 조직한다. 그 안에서 마르그리트는 인간의 윤리와 사회의 시선 사이에서 고뇌하는 현실적 인물로 그려진다. 그녀의 고통은 구체적이고, 그녀의 선택은 논리적이며, 그녀의 희생은 도덕적 숙고의 결과다. 반면 오페라에서 그녀는 '비올레타 발레리'라는 이름으로 재탄생한다. 베르디의 음악안에서 비올레타는 더 이상 사회의 냉혹한 심판을 견뎌야 하는 현실의 여성이 아니라 사랑과 죽음을 향해 나아가는 낭만적 이상 자체다. 그녀는 아리아 속에서 자유를 꿈꾸고, 중장 속에서 갈등을 토로하며, 마지막 숨을 몰아쉬는 순간에도 오케스트라의 선율 위에서 고결하게 죽어간다. 말보다 음악이 더 많은 것을 말하고, 논리보다 감정이 더 깊은 울림을 주는 것이 <라 트라비아타>다.